Por el lado difícil

2011-10-07T18:41:00.000-07:00

2011-09-04T17:58:00.000-07:00

Conocer/desconocer/reconocer, sobre los dibujos de Mauro Koliva, por Eduardo Rubinschik

Me acerqué una vez al Borges para ver obra de Rómulo Macció.

En el hall central me topé con los trabajos de Mauro Koliva (Posadas, Argentina, 1977), nombre hasta entonces desconocido para mí, que formaba parte de la muestra permanente de dibujo argentino llamada La línea que piensa, curada por Eduardo Stupía y Luis Felipe Noé.

Los cuadros de Macció me gustaron y mucho, con su potencia loca, su desmesura a la vez económica, su humor y su burla de ciertos mitos, universales o argentinos. Pero haber conocido los dibujos en birome de Koliva, me afectó de una forma singular.

Aunque, en verdad, hoy me pregunto si lo que hice fue conocer sus dibujos.

En sentido estricto sí, fue un conocimiento. Pero al adentrarse en esos pacientes entramados de birome de color (siempre un único color por dibujo), noté que se producía un efecto múltiple y acaso simultáneo: el de conocer, reconocer y desconocer.

Madera, hilo, cuerda, tapizados, metal, trapos o arpilleras, pelos o cerdas (materiales absolutamente reconocibles a primera vista), formando parte de una serie distinta a la habitual, y no por mera disposición, sino por otra cosa.

¿Pero qué cosa?

La función, tal vez, pero no la de cada material, sino la del dispositivo general que los incluye. La precisión constructiva de los dibujos dándole, a los objetos presentados, o a los dispositivos conformados por esa diversidad de objetos, carácter de registro: somos testigos de algo inequívoco, como ante una foto convencional.

Sin embargo, lo que no es convencional es el dispositivo, es decir lo mirable de la forma global: hay un tránsito al borde (y ese borde es lo inquietante), donde lo observable se resiste a la codificación.

El primer golpe de vista es doble: nos extrañamos ante lo visto y también lo reconocemos. Desconocimiento y reconocimiento simultáneos, que convocan al tercer nivel: precisamente, el conocimiento.

Estos dispositivos son reactivos a la codificación, pero podemos encontrar en ellos restos de orígenes, de lugares o usos. En cierto sentido son partes de un todo ya ocurrido, materiales agotados que se reinventan al colocarse en esos dispositivos sin utilidad reconocible.

Entonces el reconocimiento de cada material suelto en sí es, de algún modo, una moneda falsa: en primera instancia acerca al observador la posibilidad de lo familiar, pero enseguida después lo rechaza en el desconocimiento. En ese punto, los dibujos son siniestros: lo familiar se vuelve extraño.

La inutilidad parece múltiple también: cada material por separado lo es pero dentro del dispositivo también, aunque de una manera diferente: el dispositivo muestra un trabajo artesanal sobre materiales que ya han sido producidos una vez por la industria.

Esos materiales han atravesado ya su fase de consumo: han sido consumidos y agotada su función en el circuito habitual. Sin embargo los dispositivos reutilizan esos cadáveres para este nuevo horizonte.

Evidentemente están atados con alambre para seguir tirando un tiempo más bajo esta función nueva, desconocida para mí y sospecho que para cualquier pequeño burgués.

La nitidez con que los materiales se presentan a nuestros ojos, hace pensar en el efecto inverso al de los cuerpos de Francis Bacon: mientras estos son atrapados en movimientos (ya sea de los cuerpos mismos o de la mirada del pintor) que muestran, diluidas, posiciones posibles, aquí nos topamos con una fijeza de la mirada que ubica lo extraño en una zona estable, fría, que se deja ver con serenidad, porque al aparecer, ya ha eludido el código que lo hace reconocible.

¿La despersonalización del trabajo industrial es reabsorbida por la forma en que esos materiales vuelven a formar parte de un circuito?

¿Si así fuera, cuál sería ese circuito?

Se trata, sin dudas, de un circuito cachuzo pero posible: el de cierto tipo de imaginación propulsora de una artesanía que vuelve obsoleta a la industria. Esto último tal vez fuerce demasiado las cosas; sin embargo, podemos hablar, entonces, en algunos dibujos, de escultura de deshechos, y en otros de arquitectura de la miseria.

Como sea, parece haber, en esos sistemas, contundentes marcas de reutilización bufonesca.

Pero estamos ante un bufón lúgubre.

No hay carnaval, casi, en estos dibujos.

¿Aquel que trabajó en la producción de esos objetos industriales, es acaso el mismo que participa de la hechura bajo este flamante funcionamiento, en el nuevo circuito?

Para saber esto, habrá que seguir viendo obra de Koliva, quien por suerte es joven, y seguirá escupiendo.

Eduardo Rubinschik (Buenos Aires / Paternal)

2011-06-21T14:25:00.000-07:00

Bloque blando. (plastilina) En el marco de la muestra "Monsters", en el ECuNHi.

2011-05-23T15:56:00.000-07:00

Nube Elefante. Del 13 de Abril al 13 de mayo, en El Archibrazo. (Fotografías gentileza de Mara Soutric)

2011-05-16T10:17:00.000-07:00

2011-04-16T07:13:00.000-07:00

Nube elefante. Birome sobre papel. 140 x 200 cm. 2011

#37 de la serie "Un Bloque Elefante". Birome sobre papel. 145 x 95 cm. 2011 #66 de la serie "Un Bloque Elefante" Birome sobre papel. 145 x 95 cm. 2011#12 de la serie "Un bloque Elefante" birome sobre papel. 145 x 95 cm. 2011

2011-04-12T08:28:00.000-07:00

2010-11-29T20:06:00.000-08:00

2010-08-17T20:10:00.000-07:00

No. Del 4 de agosto al 3 de Septiembre. Galería Vasari.

2010-08-11T13:22:00.000-07:00

Y algo de todo eso que no sabemos que sabemos.

PAISAJISMO

En los paisajes de plastilina que Mauro Koliva hace desde hace algunos años, aparecen cosas que nos recuerdan a órganos, estructuras que hemos visto en las ilustraciones del cuerpo humano o en libros de biología, en las figuras didácticas que ya son un género en sí mismas y nos explican cómo se verían esas cosas que el ojo no debe percibir nunca en forma directa. Cosas infinitamente pequeñas, como una célula, o cosas que se encuentran detrás de la piel, en lugares que sólo se revelan si estamos frente a un accidente. Objetos cuyo aspecto “conocemos” sólo por una cuestión de fe, podría decirse –ahí donde la palabra fe se acerca a imaginación.

ARREGLOS DE MESA

Vemos un mundo de objetos desparramados pero conservados, intactos, brillantes, cada vez más brillantes e impermeables, siempre vivos y por eso siempre lejos de la temporalidad de la vida. Hay un humor feroz en este conjunto, un humor que por momentos se vuelve gore, tiene la risa, la mueca del muerto sangrante de las películas de terror que consumimos todo a lo largo de dos décadas plenas de contraste: los 80 y los 90. El Accidente había ocurrido, por cierto, en la década anterior y las superficies y las cosas que en ellas se apoyaban ya se habían quebrado entonces. Nosotros, cuando niños, deambulamos entre esas cosas –sin saberlo muy conscientemente, aunque tendríamos que ponernos a definir qué significa saber…

CIRUGIA

Se podría decir que Mauro es uno de esos ateos indómitos, insobornables. Pero curiosamente en toda su obra hay la paciencia y la humildad de un monje y esa actitud, esa postura frente al trabajo, que sólo es posible cuando hay amor en un sentido muy generoso, amplificado; un amor por lo que se ve y por lo que se hace. Una obra tal está hecha de una sumatoria de tiempo amoroso
acumulado y sin comprimir, desplegado en el espacio, en las superficie de papel y plastilina. Birome o bisturí, tatuando pacientemente la piel de sus extrañas criaturas, para que deambulen coquetas por el mundo.

EQUILIBRISMO

Todos los martes por la noche bajo en la estación Chacarita y veo a las 10 de la noche los aprontes para subir el cartón en la línea San Martín. Al mirar algunas series de los dibujos de Mauro, donde vemos unos bultos enigmáticos que no se sabe bien dónde tienen su punto de apoyo, muchas veces he pensado en esas montañas móviles que son trasladadas con velocidad y pericia, esos enormes sacos que los cartoneros hacen rodar, en un equilibrio apabullante, hasta los trenes, cada noche. ¿Cuánto de viaje, movimiento, materia e información se acumula en esos paquetes? Tengo la sensación de que en las imágenes que dibuja Mauro, reverberan los ecos de algunas visiones urbanas recolectadas en caminatas por Buenos Aires, y luego traducidas en un trazo lúcido e ilusionista a la vez.

TEATRO

Un poco más acá en el tiempo, han empezado a entrar otros personajes en la escena, prestemos atención porque no son secundarios: la garrafa de gas; la mesa en miniatura con un perro disecado; el bloque de ladrillos fabricados uno a uno, y amurados con revoque como un muro real; la soga de colgar trapos y ristras de vísceras ordenadas; las pudorosas bolsas de consorcio negro; caños cortados quirúrgicamente porque podrían ser venas o huesos; paredes revestidas de acolchados y botones forrados de cuero; pala; micrófono; amplificador –el día que lo terminó, Mauro estuvo a punto de levantarlo por la manija, tan compenetrado había estado en la ficción-; baldes con fluidos aceitosos; hachas; martillos; sogas; césped; todo va conformando una especie de Easy delirante, donde las cosas están para mostrar su función alucinada, un espacio donde el usuario podría iniciar procesos de conocimiento que están explicitados en el objeto mismo, como las piezas de ajedrez de la Bauhaus, que tenían el dibujo de su movimiento tallado en la cabeza. Solo que… oh, no entramos en este lugar mágico, porque, porque, porque simplemente no cabemos. En un libro que me regaló Mauro, encontré un pasaje que describe a la perfección el encuentro entre lo Grande y lo Chico: “Miniaturizar significa hacer inútil. Pues lo que queda grotescamente reducido es, en cierto sentido, liberado de su significado: su parvedad es lo notable en él. Es al mismo tiempo un todo (es decir, completo) y un fragmento (tan diminuto, la escala errada). Se vuelve objeto de contemplación desinteresada o de ensueño. El amor a lo pequeño es una emoción de niño, colonizada por el surrealismo.” [1]

MAGIA

Sabiéndolo y no, Mauro Koliva ha ido atravesando en su obra una serie de preguntas sobre la utilidad de algunas cosas como, por ejemplo, la belleza. Y algo que me intriga es ¿sabe él acaso que ese universo que ha ido fabricando poquito a poco tiene un efecto tan profundo en nosotros? ¿Sabe medir la intensidad de las imágenes que nos regala, el alcance de esa alegría del hacer, la potencia de ese conjuro?

[1] Susan Sontag, Bajo el signo de Saturno, 2007, Ed. Sudamericana, Bs.As.

Leticia El Halli Obeid
Buenos Aires, Julio 2010

2010-08-11T13:17:00.000-07:00

Otro bloque blando. Birome sobre papel. 146 x 95 cm. 2010

2010-07-10T15:27:00.000-07:00

bloque blando

2010-07-02T01:55:00.000-07:00

Mundo grande, mundo pequeño.

2010-04-09T05:12:00.000-07:00

2010-04-06T20:19:00.001-07:00

La belleza es una cosa rara

No hay alegoría,no hay mensaje,no hay metáfora.Solo el macizo y concreto silencio de una experiencia mas física que visual.

Los dibujos de Mauro Koliva literalizan el paso del cuerpo a la obra,y nos interpela desde la indiferencia de un mundo sin adjetivos.O quizás los tenga y sea la insistencia de ese muro (como horizonte) detrás de cada figura.

Hay algo que nos recuerda a una puesta en escena,quizás por ese aire de fingida urgencia con que los objetos son presentados tan cuidadosamente;haciendo del espacio plano de la hoja en blanco un lugar privilegiado.

La cuestión es que todas respiran esa sensación de inminencia,algo va a suceder en esa falsa quietud (o la idea mas inquietante y juguetona) ya está sucediendo y somos nosotros los personajes.Pero hemos perdido contacto,no sabemos como comunicarnos a traves de estos objetos en este mundo.

Tal es el riesgo que plantea la obra,que la principal tentación es la de interpretar.

Sobre todo porque Mauro Koliva juega en un mundo cerrado sobre si mismo,con una serie de elementos que nos recuerda al universo fabril de una construcción.

Ladrillos,baldes,tirantes,madera,tachos,alambres,cables,fardos.Junto a colchones,troncos,árboles y formas desconocidas en curiosa relación.Conformando conjuntos que parecen describir:altares o túmulos,piezas de precaria ingenieria e incluso hay cierto primitivismo en su concepción.Casi como si fueran los primeros signos de un mundo nuevo.

Uno no puede evitar la necesidad de palabras frente a un hecho desconocido,pero frente al hecho estético en sí inevitablemente,toda palabra es una palabra de mas.Por eso el cuerpo es el lugar donde tiene que hacer eco estos dibujos,que (dentro de sus marcos) nos indican constantemente ese fuera de campo.Ese espacio físico,eso que excede y es casi palpable.

Como esas presencias al que el artista accedio en retratar y nos contemplan desde una inquietante neutralidad e ironía.

Mauro koliva dibuja con todo el cuerpo y hace posible este mundo,esta descabellada fantasía que parece prescindir de nosotros.

Luis Ortellado

Bs As, Abril de 2010

2010-04-05T20:37:00.001-07:00

2010-04-01T06:55:00.000-07:00

2010-03-19T18:34:00.000-07:00

terminemos con dios

2010-03-16T21:13:00.000-07:00

2010-03-13T07:01:00.000-08:00

De la serie "Otro bloque blando". Birome sobre papel. 60 x 40 cm. 2010

2009-12-17T09:38:00.000-08:00

Serie "Traslado de peso". Birome sobre papel. 74 x 60 cm. 2009

2009-11-25T08:02:00.000-08:00

Instalación de plastilina en "Aproximaciones al caos" ECuNHi

2009-11-12T03:11:00.000-08:00

2009-09-18T22:09:00.000-07:00

Gracias por las fotos Diego!

2009-09-18T21:43:00.000-07:00

Serie insignificante. Plastilina recubierta sobre base de madera. 20 x 60 cm de base x 27 cm de altura. 2009

2009-09-18T21:37:00.000-07:00

Serie Insignificante. Plastilina recubierta sobre base de madera. 30 x 30 x 30 cm. 2008

2009-07-21T20:10:00.000-07:00

#...de la serie "el objeto mudo". Birome sobre papel. 95 x 145 cm. 2009

2009-07-16T20:54:00.000-07:00

#16. de la serie "No". Birome sobre papel. 146 x 95 cm. 2009

2009-07-16T17:18:00.000-07:00

#32 de la serie "No". Birome sobre papel. 146 x 95 cm. 2009

2009-07-03T20:56:00.000-07:00

#25 de la serie "No". Birome sobre papel. 146 x 95 cm. 2009

2009-06-15T21:31:00.000-07:00

#24 de la serie "No". Birome sobre papel. 146 x 95 cm.

2009-05-31T17:03:00.000-07:00

"Obvio, tenemos una bomba"

2009-05-23T14:34:00.000-07:00

Insignificantes. (Serie) Plastilina blanca sobre base de MDF y caja de vidrio. 20 x 60 x 27 cm. 2008

2009-05-20T08:52:00.000-07:00

“…en el fondo, ¿no es siempre la misma cuestión: qué significa esto para mí?..."

Nietzsche

2009-05-20T08:06:00.000-07:00

Dragón. Plastilina sobre base de madera. 2008

2009-05-19T20:23:00.000-07:00

"he visto el futuro, hermano: es un asesinato". Leonard Cohen

2009-05-19T07:51:00.000-07:00

(texto escrito por Nick Thabit sobre la muestra "Mudo")

La última muestra de Mauro Koliva, en el Centro cultural Borges, que consiste en cerca de treinta dibujos en bolígrafo de color sobre papel, es una revelación de varias clases; una revelación de lo cotidiano, lo ya visto, lo aparentemente sin sentido - pero no de lo obvio. Los dibujos en estas tres series, el objeto mudo, el objeto salvaje, y el objeto irresponsable, parecen esculturas, objetos hechos de madera, soga, cuero, pero también colchones abandonados, sofás, cajas, restos seleccionados. Inicialmente, vienen a la mente imágenes del americano nativo o del Indio; pero en aquél caso los objetos son supremamente útiles. En todo hay una calidez, una veracidad, una conexión orgánica a nuestro mundo ilógico, quizás un reflejo de él. Estos objetos realmente son pensamientos, maneras de mirar el mundo, maneras tontas, que son necesarias, que emanan del espíritu (tal como mantener el espíritu vivo se ha vuelto el trabajo de los artistas). Exudando un extrañeza en lo cotidiano similar a la que el grupo musical DEVO descubrió una vez, los trabajos resuenan con la realidad interna, a menudo totalmente en desacuerdo con la realidad externa: una colección de cosas con significado agregado. El mundo que el artista hereda no tiene ningún sentido para él, así que él necesita crear cosas, para desorganizar cosas; él hace un mundo “verdadero” para satisfacer su realidad interna. Cada uno en esta serie satisface una función sutilmente diversa para el artista y el espectador. Mudos: aquello que no se puede poner en palabras pero que anhela gritar. El activo reprimido o inexpresable, en oposición al Irresponsable “pasivo”; una asombrosa estación intermedia entre ser y hacer. Salvaje: el que no desea ser puesto en palabras, existiendo absolutamente feliz (o furioso, en algunos casos) más allá de nuestros límites; energías destinadas a vivir a su manera. Irresponsables: antiguos objetos superiores de “uso espiritual” (sin embargo inútiles o irresponsables para la mayoría de los propósitos), más eficaces a su manera, como simples declaraciones del ser magnificente. El Sr. Koliva tiene un talento extraordinario, más allá de su capacidad precoz para dibujar: él hace que todo luzca viejo usando sólo líneas (y algunos puntos) en un fondo blanco. Hay coágulos oscuros del color donde las líneas se juntan, ayudando a la calidad de “fotografía vieja” de los dibujos; pero hay aquí un “resplandor” palpable, casi sobrenatural, ausente en las fotografías, presente en la memoria. Éstos son “dibujos” en ambos sentidos de la palabra porque los objetos toman su significación de nosotros mientras miramos, y hacemos crecer el significado, dibujando hacia fuera de nosotros nuestras propias mitologías e historias internas. Esto hay que verlo para entenderlo. Podemos involucrarnos por entero en este trabajo, lo cual podría ser la cualidad que define a las bellas artes.
Sin entrar en detalles sobre las imágenes específicas, puedo decir que si usted desea refrescar sus sentidos y estimular su curiosidad, debería aprovechar la oportunidad de ver esta muestra. Una de las mejores muestras de dibujos que he visto (otra es Juan Soares Juarez en Braga Menéndez) y muy disfrutable aunque a usted generalmente no le “guste el arte.” Como sea. Vaya y vuélvase sorprendido, y renovado; usted se olvidará del calor, las muchedumbres, y el Subte.

Nick Thabit
Bs As 3/2009

2009-05-19T07:45:00.000-07:00

(texto escrito por Eduardo Stupía para el catálogo de la muestra "Mudo")

Cuando entendemos un objeto, y sabemos qué es y para qué sirve, algo en ese entendimiento parece prepararnos para entender el mundo. En cuanto a los objetos que dibuja y proyecta Mauro Koliva, quizás no los entendemos como tales, pero sí como dibujos. Y el mundo al que pertenecen nos resulta un mundo inconcebible, salvo según las reglas del dibujo mismo como objeto, del objeto-dibujo.Koliva logra enrarecer la posible dosis de ubicuidad racional que ellos quisieran necesariamente arrimarle a sus invenciones, pero lo hace sin proponer nada excesivamente estrambótico, “fantasioso”, de acuerdo a lo que se espera de una imaginación tan audaz como la suya. Lo decididamente perturbador es que ellas nos resultan familiares, parecidas a algo, perversamente lógicas. Hasta el punto en que debemos aceptar que ese imposible de donde provienen, definitivamente ininteligible, deforme, mudo ante toda pretensión de que nos revele elocuentemente su clave, es el rostro oculto, el verdadero, de nuestro propio mundo, que él hace visible.Mediante una trabajosa génesis de capas y capas de cruces, texturas, madejas y rizomas lineales, Koliva elabora sus aparatos visuales esbozando una suerte de taxidermia; en una operación de riguroso vaciamiento semántico, les extirpa los órganos y las vísceras del sentido, para dejar una pura cáscara de materia formateada que parece viva sólo científicamente, o bien afín a la estructurada previsibilidad de un catálogo técnico, que aquí es poco más que un espejismo icónico. El objeto-dibujo es la matriz del ectoplasma gráfico que expele el Koliva médium para hacer aparecer sus fantasmales simulacros de dudosas ingenierías domésticas, de pilosas superficies y provisorias carpinterías, tramadas con los hilos de baba cáustica, mercurial, tan propia de la densidad del bolígrafo; una sustancia que intensifica la pastosa corporeidad de sus volúmenes, la incierta consistencia de sus paradojales construcciones, manifestaciones indescriptibles de una muy lubricada maquinaria de líneas.

Eduardo Stupía.

2009-05-18T19:47:00.000-07:00

Mudo. Centro Cultural Borges. Marzo de 2009.

2009-05-18T19:13:00.000-07:00

"El objeto salvaje" (Serie). Birome sobre papel. 45 x 35 cm. 2009

2009-05-18T18:21:00.000-07:00

"El objeto mudo" (serie) Birome sobre papel. 97 x 74 cm. 2009

2009-05-18T18:06:00.000-07:00

Subiendo por el lado difícil

“Dadme una prueba más contundente de que hayas visto la realidad”
Shakespeare

Hacía un rato que había perdido la cuenta, ignoraba cuantos escalones había dejado atrás y sospechaba que los que me faltaban iban a ser interminables. Mis pies explotaban dentro de mis zapatillas, confundiendo mi condición de turista del mundo con la de mártir Latinoamericano. Pero no, era un simple curioso por llegar a la cima, respirar hondo y sentirme poderoso. Desde luego que nada de eso ocurrió, exceptuando haber llegado a una cima minada de otros turistas que quizás como yo, habían recibido la estúpida sentencia de que “venir a México y no visitar las pirámides de Teotihuacan no era venir a México”.
Lo cierto es que una ves allí, en lo alto de la pirámide del Sol, comencé a recuperar aire, mientras que con mi mirada buscaba un bar, restaurante o puesto de bebidas que ayudara a mitigar mi mal humor. Pero, por suerte o por desgracia para mí, el carácter folklórico del lugar, había mantenido cierta dignidad con la historia y el confort que yo reclamaba no estaba para arruinar el paisaje.
De repente, como música para mis oídos, escucho que alguien le ofrece agua a otro
- ¿Querés agua?, dice la vos que inmediatamente sigue parloteando ideas y cosas de Arquitectura, Arte y Filosofía.
- Conozco esa voz, pensé. Conozco esas ideas. Me doy vuelta y sin ni siquiera pensarlo me salio como un grito:
- MAURO!!! ¿Qué haces acá?
- Fabián! ¿Qué haces vos acá?

……………………………………………………………………………………

A la hora, luego de bajar de la pirámide y despedir a su amigo, entramos en una lechería.
- ¿O sea que después de la beca en Denver te salio esta muestra en México?, le pregunte.
- Sí, y sin tener que pasar por Bs. As. Antes.
- Buenísimo!!, ¿y acá vas hacer una instalación?
- Una instalación, unos dibujos y algunas de las esculturas blancas.
-¿En tus muestras siempre combinas esas tres cosas, no?
- Sí, es cierto. Creo que son registros diferentes de una misma cosa. Pienso incluso que tanto las mesas como las piezas de plastilina blanca son casi como dibujos tridimensionales.
- Entonces, ¿la imagen y la preocupación estética en los tres soportes es la misma?, le pregunte, sabiendo que se venía una charla de 5 horas.
- Claro.
- ¿El soporte no te condiciona la idea o el concepto de lo que vas a hacer?
- En estos últimos tiempos he intentado procesar e ir haciendo más conciente qué significa esto para mí. Qué significa haber pasado a un material más escultórico como la plastilina, y pienso que trabajar de esta manera es consecuencia de la manera en la que dibujo. Para mí las imágenes tiene cuerpo, las cosas tienen cuerpo. Ahora soy conciente de eso. Entonces quizás el dibujo era muy modelado, y modelar era un paso muy natural.
- ¿Qué las cosas tienen cuerpo, qué quiere decir puntualmente?
- Bueno, no sé si las cosas tienen cuerpo o es mi cuerpo que se proyecta en ellas.
-¿Querés decir que en esos monstruos estas vos? Algo así como madame Bovary cet moi … (risas)
- Me parece que yo no puedo desligarme de mi propio peso corporal. No es que se proyecta ahí mi psicología, si no mi manera conjunta de percibir. En ese sentido las cosas para mí tiene que tener un peso, una densidad determinada.
- Pero el cuerpo que les das, o tienen las cosas ¿de donde viene?
- Supongo que en gran parte de mi. En los dibujos y en las piezas pequeñas, la saturación de detalles le da densidad y espesor a las imágenes. De hecho en algunas obras hay una puesta de mi propio cuerpo concreta y palpable que se agregan a la forma como una especie de temperatura.
- ¿y el resto de las obras?
- Hay dos grandes bloques que voy identificando en los trabajos: uno tiene esta cosa corporal, que cada vez es más fuerte y después está todo ese universo imaginario de las miniaturas blancas y los dibujos, que son básicamente monocromáticas porque me interesa reducirles sentido, supongo que es para crear un poco de distancia.
- ¿Distancia por qué?
- Porque creo que me interesa enfriarlo. Me fascina, pero es algo en lo que no creo.
- ¿Cuándo hablás de imaginario, a qué imaginario te referís?
- Lo del imaginario es algo muy importante. Me refiero a los imaginarios sociales que estructuran una imagen, de lo monstruoso por ejemplo, o de lo anormal, o de lo fantástico, va! de miles de cosas. Y está lleno de convenciones claro, es un universo muy legislado el de la imaginación.
- ¿Tu trabajo dialoga con las obras de otros artistas?
- Si, bastante. Descubrí recientemente que comparto con muchos de ellos un cierto territorio formal y un interés por la ficción…a ver…pienso que uno, conciente o inconcientemente va armardo la genealogía de la tradición a la que pertenece. Yo noto, en mi caso, que hay una tradición formal muy larga, que incluye esta preocupación por lo monstruoso y lo fantástico, que seguramente viene desde el Bosco. Ahora, en el mundo contemporáneo todo eso se multiplica, se mezcla con otras cosas y se aborda de miles de maneras. A mi, particularmente me gusta la tragedia y el drama en el arte… (risas) así que busco cosas que me hablen de eso, que me den imágenes.
- La trage…
- La tragedia y el drama- me interrumpió-
- Y la comedia diría.
- Mi humor es hijo del escepticismo.
- Estaba pensando en algunas obras, en la grande, la del hombre disfrazado de dragón. ¿No hay un diálogo entre lo siniestro y lo ridículo, en esa obra, o entre lo siniestro y lo absurdo?
- Si. Tiene mucho de Comic. Con el comic cada vez me siento más cercano. Es un lenguaje muy conciente de su artificialidad.
- Y cuando hablás de que te interesa la tragedia y el drama, en tus obras ¿cómo traducís eso? Bueno, en las obras más narrativas se puede identificar claramente eso, pero ¿hay otra forma en la que lo traducís?
- Me interesa la tragedia, esa en la que al final mueren todos, triunfa el mal y además todos sabían que iban a morir… (risas) pero soy un vitalista, y al final quiero que alguien sobreviva…Supongo que hay algo de gravedad en algunos trabajos, que aparece interferida por la literalidad y al mismo tiempo la distancia. Las vísceras tiradas por todas partes, es eso.
- ¿Y qué hay del drama y del mundo de los sueños, algo de eso se cruza con la tragedia; el delirium tremens, cosas del surrealismo?…Me mencionabas a El Bosco, yo te asocio muy directamente con él. Él tomaba acetona para poder tener esas imágenes locas. Es decir, recurría así al inconciente, se drogaba a full porque quizás no se bancaba ese mundo, hoy uno se banca mucho más ese mundo monstruoso…yo creo que hasta Goya no se bancó ese mundo que imaginó, él, comenzó a plantear concientemente que “la monstruosidad estaba en nosotros”. De otro modo, hay que buscarla en otro plano mental. ¿Vos dónde estás parado en relación a esos dos planos, estas en la cosa más surrealista de delirium tremens, o crees que representas de cierta manera la realidad?
- No estoy en ninguno de esos dos lugares seguramente. Yo reconozco esos imaginarios como si fueran libros en una biblioteca. Bacon, El Bosco, Lynch son universos flotantes. Al mismo tiempo reconozco el poder que tienen esos imaginarios para construir una realidad. Mirá, hace falta tocar un solo símbolo, para que haya una guerra mundial, y en esos universos flotantes se agitan las pasiones!... De cualquier manera, quizás mi postura es más analítica, más distante. .
- Este Club que nombras: Bacon, Lynch… al cual te hago socio aunque quizás con cierta distancia histórica, ¿tal vez vos seas más aséptico no? Lo tuyo es mostrar la monstruosidad o la tragedia -o las consecuencias de la tragedia- en términos violentos, pero una monstruosidad que podemos tener todos en definitiva, porque en términos simbólicos e incluso más allá de lo que vos digas, cualquiera en un objeto de esos, puede reconocer algún fantasma…
- ¿Convoca fantasmas no?
- Convoca, claro. Pero vos lo haces con manos quirúrgicas, como con guantes de goma. Tipo Cronenberg que muestra lo siniestro y lo monstruoso pero con elementos esterilizados. La verdad que lo interesante y lo atractivo puede ser la distancia. Digo, hacer monstruos y pintar como si fueran delirium tremens no pareciera que es lo que sale de lo común, o hace singular a tu obra. Eso es un estereotipo si querés. En cambio vos lo haces pasar a un laboratorio para estudiarlo detrás de un microscopio. ¿No te sentís medio como un Dr. jekyll? (risas)
- Si.
Mire a mi alrededor, éramos los últimos de la lechería, los mozos ya comenzaban a poner las sillas sobre la mesa como una invitación a la salida. Pagamos. Era de noche y por un momento la calle me dio un poco de escalofrío; habíamos estado hablando más de tres horas y me había olvidado de que estábamos en un tugurio del DF hablando de Goya, Lynch, El Bosco, doctor Jekyll y de más.
- ¿Vamos mañana a la otra? – de golpe me pregunta Mauro en penumbras.
- ¿Otra? ¿Qué otra?
- La otra pirámide, la de la luna.
- Noooo, ni loco- le conteste- prefiero antes, ir a aquella luna- le dije, mientras le señalaba con un dedo el reflejo del la luna de verdad en un charco de esa calle abandonada.

Fabián Burgos. Buenos Aires, noviembre de 2008.

2009-05-18T17:49:00.000-07:00

Bajando por el lado difícil. Museo de Bellas Artes Rene Brusau, Resistencia, Chaco. Noviembre de 2008.

2009-05-13T19:20:00.000-07:00

arts and entertainment

"Fine Line" spans an intriguing horizon
By Kyle MacMillan Denver Post Fine Arts Critic
Posted: 12/05/2008 12:30:00 AM MST
Updated: 12/11/2008 08:51:17 AM MST

"Fine Line," running through Feb. 15 at the Museo de las Américas, offers new takes on the venerable medium of drawing. Visible in the foreground are pieces from Argentinian artist Mauro Ariel Koliva's series, "Ropa para Monstruos (Monsters Clothes)." (Brian Brainerd, The Denver Post)

"Fine Line," running through Feb. 15 at the Museo de las Américas, offers new takes on the venerable medium of drawing. Visible in the foreground are pieces from Argentinian artist Mauro Ariel Koliva's series, "Ropa para Monstruos (Monsters Clothes)." (Brian Brainerd, The Denver Post)

Given the hundreds of art exhibitions that take place each year in Denver, finding a fresh tack is no easy task.

But Patty Ortiz, the always-enterprising executive director and curator of the Museo de las Americas, has managed to do just that in "Fine Line," an exhibition continuing through Feb. 15.
In the main gallery, she placed a horizontal line along the walls 5 feet off the floor and asked four of the five participating artists to create site-specific installations that respond to it — a simple but provocative idea.

Given humankind's integral relationship with the earth and sky, it is nearly impossible not to perceive the line as a kind of horizon, and two of the artists relate to it directly in such a way.
The most overt connection can be seen in New York artist Lucas Monaco's "Flicker," in which he keys on the line as the horizontal focal point for a series of his skewed, compressed perspective drawings of imaginary urban landscapes.

Several smaller examples of his kind of satellite views of cities are on view elsewhere, including "Landscape Impressions No. 1" (2005), an ink and acrylic drawing on canvas, with subtle washes of color.

In his wall installation, Mexico City artist Maximo Gonzalez also uses the line as a horizon, but his work has a more ethereal, abstract quality.

Incorporating 10,000 dots punched from Mexican peso notes (it requires close examination to make out what they are), he carefully pins them to the wall in a gently undulating pattern that loosely suggests a giant topographic map.

The point of these installations, and, indeed, the entire exhibition, is to explore the ever-changing contemporary dimensions of drawing, using the work of five Latino artists as guides.
Drawing has reasserted itself in the art world, as such seemingly old-fashioned notions of craft and technique take on renewed importance. But if today's drawings take cues from the past, they are firmly rooted in the present, where conceptual underpinnings are a must.
While most of the pieces hew to traditional formats, others lift drawing off the paper and take it in unexpected directions and forms. Nowhere is this more apparent than in Gonzalez's witty installation, "School of Rats" (2008).

In this narrative piece (unrelated to the horizon installations), lines come to life in a short cartoonlike video and then bounce from the screen and onto the wall, transforming into the three-dimensional form of dozens of felt rats.

If the underlying concepts behind "Fine Line" are compelling, the resulting show comes off as a bit flat. It's hard to pin down the exact reasons.

Certainly a few of the pieces are just plain yawners, such as Mexico City artist Ricardo Rendon's installation, "Trabajo Mural/Action Field," which is more of an inaction field. It consists of nothing more than a series of circles composed of drywall screws.

The overintellectualization and, in some cases, faux-intellectualization, doesn't help either. A good example are Rendon's uncomplicated, archetypal drawings burnt into wood panels, such as "Espacio de Proteccion 2" (2008), which depicts flowers grown from each end of a block.
According to the accompanying text panels, these pieces are supposed to deal with the destruction of nature and the ominous implications of modern building practices. Or something. Isn't it OK to just enjoy them for their aesthetic value?

The exhibition could use an injection of emotion. Helping in that department is the humor provided by "School of Rats," as well as Argentine artist Mauro Ariel Koliva's lighthearted series, "Ropa para Monstruos (Monsters' Clothes)."

These impeccably rendered ink drawings provide the entertaining prospect of imagining what the monsters who wear these fantastical garments might look like.
"Fine Line" falls short of a knockout, but it starts with an intriguing idea and offers new takes on an old medium.

Kyle MacMillan: 303-954-1675 or kmacmillan@denverpost.com

Among four site-specific installations on view is Argentinian artist Mauro Ariel Koliva's "Bajo la Linea (Below the Line)." (Brian Brainerd, The Denver Post)

Fuente : C:\Documents and Settings\Administrador\Escritorio\mauro koliva - obras\Fine Line spans an intriguing horizon - The Denver Post.mht

2009-05-13T19:12:00.000-07:00

Definición de la línea entre …

Una simple línea horizontal puede representar tantos conceptos – el horizonte, una línea de tiempo o el límite entre dos aéreas o entidades distintas. La exhibición actual en el Museo de las Américas ha pedido a cinco distintos artistas de los E.U. y de Latinoamérica que exploren este concepto en una exhibición llamada apropiadamente Fine Line, exhibido hasta el 15 de Feb., del 2009.

Los artistas incluyen a Lucas Mónaco (U.S.), Máximo Gonzales (Argentina) Ricardo Rendón (México), Mauro Ariel Koliva (Argentina) y Carlos Capelán (Uruguay).

Lucas Mónaco tiene su base en la ciudad de Nueva York y sus trabajos se enfocan en objetos orgánicos y la arquitectura. El tomó la asignación muy seriamente mostrando el horizonte en paisajes de la ciudad. Su trabajo literalmente compara las construcciones del hombre y los de la naturaleza. Los cañones topográficos que el delinea se parecen a los de la naturaleza cuando se ven de lejos – carreteras de ríos de concreto conectan a los vastos cañones urbanos. Aun cuando nosotros generalmente pensamos de nosotros mismos como algo distinto y separado de la naturaleza, los humanos como especie son parte de la naturaleza también.

Ricardo Rendón vive y trabaja en la Ciudad de México como profesor de medios múltiples en la Escuela Nacional de Escultura, Pintura y Grabado. En una instalación para esta exhibición él usa la línea horizontal para conectar los diferentes sistemas y operaciones, creando el movimiento y flujo de ideas o conceptos. Tornillos negros montados en la pared muestran aparatos interrelacionados e independientes y una progresión temporal. Su trabajo puede ser percibido ya sea como celular, mundana o aun cósmicos dependiendo de la perspectiva del espectador.
Rendón también hace el contraste entre las líneas de la naturaleza y las líneas del hombre al quemar el grano natural de la madera. La mayoría de estos esfuerzos muestran el proceso de la construcción y su aparente perversión de la naturaleza.

Máximo Gonzales, conocido por usar billetes en sus composiciones, usa puntillas con cabezas cubiertas con pesos para crear una instalación imaginaria abierta a una amplia gama de interpretaciones. ¿Es una selva ardiente lanzando soplos de humo al cielo u hojas que caen para unirse en pilas torcidas? Es un remolino de polvo que se forma en las planicies o los alfileres que marcan la ubicación de cada Wal-Mart en Norte América? Su conjetura, querido lector, es tan buena como la nuestra.

El contribuyó también con una pieza de instalación llamada School of Rats en la cual la escuela parece escupir humanos en una red de seguridad que los recibe y la televisión crea roedores que lentamente se forman en cuadros regimentados.

Mauro Ariel Koliva es un artista licenciado en artes plásticas. El cruza una línea que divide la realidad de la fantasía con una serie que muestra el vestido de los monstruos – después de todo, ¿qué usa un mutante en un clima inclemente? ¡Mentes quisquillosas quieren saberlo!

Koliva también creó la pieza más colorida y espectacular de la exhibición llamada Below the Line. Si el arte está en la pared, él lo ha desentrañado, regando intestinos de plasticene sobre el mostrador y el piso abajo. ¿O quizás es una grieta dimensional por medio de la cual alguien está botando desechos médicos? Las conclusiones se dejan enteramente al espectador.

Carlos Capelán divide su tiempo entre Suecia y Costa Rica. Su trabajo usa una multitud de líneas para mostrar problemas sociales y psicológicos complejos como desórdenes mentales y la deshumanización social. Parecido a las enfermedades sociales, enfocarse muy cerca
en su trabajo produce un dolor de cabeza.

En todo, se deben dar kudos a la directora ejecutiva y curadora Patty Ortiz por una exhibición que provoca el pensamiento y que es emocionalmente estimulante. En algún momento en los próximos tres meses haga una línea que vaya al museo y saque sus propias conclusiones de los elementos que comprenden Fine Line.

Fuente http://www.lavozcolorado.com/news.php?nid=3068

2009-05-13T18:47:00.000-07:00

Bajo la línea. Instalación In Situ. Plastilina. Muestra “The Fine Line”. Museo de las Americas. Colorado, USA. Octubre de 2008

2009-05-13T18:26:00.000-07:00

Desmesura. Instalación In Situ. Plastilina. Muestra “Primavera negra”. Galería Asoc. Amigos Erik van der Grijn, Buenos Aires.2008.

2009-05-13T18:14:00.000-07:00

Intalación. Plastilina y mesa de madera."Artistas- etc". Museo de Arte municipal de la ciudad de Santa Fé. 2007

2009-05-13T18:01:00.000-07:00

Desmesura. Instalación In situ. Plastilina y catre de madera y lienzo. “Héctor Germán Oesterheld, la aventura continúa”. Homenaje a Oesterheld. Museo de Arte y Memoria, ciudad de La Plata. 2007.

2009-05-13T17:52:00.000-07:00

Campera para mosntruo. Instalación. Cartón, MDF, Fotografías y perchero. Medidas variables. Posadas. 2005.

2009-05-13T16:54:00.000-07:00

Hipótesis y desmesura (detalle) . Muestra Interfaces. Instalación In situ. Plastilina, fenólico y caballetes de madera. Posadas-Mnes. 2006

2009-05-13T16:46:00.000-07:00

Hipótesis y desmesura. Interfaces. Posadas -Misiones. 2006

2009-05-13T16:38:00.000-07:00

Hipótesis y desmesura (detalle) Interfaces. Córdoba 2006.

2009-05-12T21:19:00.000-07:00

Hipótesis y desmesura. Instalación In situ.Plastilina, plancha de fenólico y caballetes. Muestra Interfaces .Museo Caraffa, Córdoba 2006.

2009-05-12T20:55:00.000-07:00

Estudio Abierto 2006. Instalación in situ. Plastilina sobre mesas de madera.